domingo, 15 de abril de 2012

Canon de figura humana grado décimo

Aquí vamos de nuevo en esta nave creadora que promueven mis queridos estudiantes de grado décimo.

Nuestro trabajo en clase consiste en elaborar un diseño de una figura humana. El formato será en papel tamaño carta en forma de boceto, muy sencillo y lineal, sin color ya que será nuestra práctica de grabado. Una vez realizado el boceto, lo copiamos en 1/8 de cartón paja doblemente pegado, lo recortamos con bisturí y lo pegamos en otro cartón paja. (Según explicación y demostración de la clase de intaglio). Ya sabemos los demás pasos a seguir.

Actividad. Mayo 3 y 4. Recuerda llevar la cuchara, el papel acuarela, el trabajo pintado con dos capas de pintura blanca y llevar coloreado en tu cuaderno de tareas, los cuadros para la nota.
tomado Libro de dibujo. Autor: Parramón

Tareas de sexto y séptimo

Hola queridos estudiantes de grado sexto y séptimo.

 
Aquí encontrarán algunas tareas a realizar en clase. Espero su compromiso y dedicación, para que podamos hacer un buen equipo y sacarle provecho a este espacio, creado sólo para ustedes y sus padres.

COLEGIO FLORIDABLANCA I.E.D
Guía 1 de Aprendizaje Cooperativo
Asignatura:  ARTES
Grado séptimo Jornada: ___T__


Profesor
Javier Durán B


NOMBRE______________________________________FECHA_________________

Tema: El Claroscuro a lápiz carboncillo.

OBJETIVO: Comprender el sentido práctico y estético de la técnica del claroscuro trabajada durante la clase de dibujo.
Específico: Tener un acercamiento a una obra de arte, hacer el análisis en la dirección y efecto de luz sobre los objetos que la componen, para hacer una  obra de bodegón intervenida en carboncillo y también a color con estilo personal.

INTRODUCCIÓN.
Claroscuro consistente en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.

El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. En los grabados de Da Carpi, el efecto del claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las áreas oscuras no están tan acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores del chiaroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione.

METODOLOGIA.
En grupo de cuatro estudiantes se desarrolla el proceso de la observación y efecto de la luz sobre los objetos (gráfico), además los estudiantes estudian una obra de un artista, analizan el  tipo y dirección  de luz que tiene cada objeto que compone la obra, y desde este acercamiento que tienen con la obra hacen una propuesta de un dibujo de bodegón.
Materiales: Lápiz carboncillo, sepia o sanguina. Papel bond o durex 1/8. Cuaderno, lápiz grafito, borrador, colores


Observa el cuadro de la izquierda sobre el bodegón de Zurbaran, tómalo a manera de ejemplo para que hagas tu propio bodegón
Colorear en sentido de oscuro a claro en trama y grumo. Complementar la sombra de acuerdo al punto de luz sobre el objeto. Recrear las sombras difuminando con los dedos.
CONCLUSIÓN:
Requisitos previos: los estudiantes conociendo el manejo de la técnica de tramado, de grumo en degrade y mezcla de color a mano alzada podrán realizar este ejercicio tal y como se explicó en clase de dibujo. Con el reconocimiento de la luz, espacio y forma. Proporciones y sentido de líneas vertical y horizontal podrán trabajar en grupo compartiendo las formas de lograr el claroscuro y la textura del papel.
BIBLIOGRAFÍA
http://javierbossari.blogspot.com/2012/04/claroscuro.html
http://mariomansilla.wordpress.com/2007/07/07/%C2%BFque-son-bodegones/


Para Emprendimiento
Tema: Grafiado y Puntillismo

Objetivo: Comprender el sentido práctico y estético de la técnica del grafiado en puntillismo durante la clase de emprendimiento.
Específico: Tener un acercamiento a una obra de arte, hacer el análisis en la dirección y efecto de luz sobre los objetos y el color que la componen, para hacer una  obra de puntillismo intervenida a color con estilo personal.

Introducción. El puntillismo fue un movimiento pictórico que surgió en 1884, encabezado por el pintor francés Georges Seurat. La técnica puntillista consiste en la yuxtaposición de puntos de colores puros, en lugar de emplear pinceladas de colores mezclados. Se aplican toques de colores puros conformando el cuadro, y a cierta distancia, la retina produce la mezcla.




Metodología.
Los estudiantes del grado sexto conformaran grupos de trabajo cooperativo para desarrollar la clase de emprendimiento sobre puntillismo y grafiado. Observaremos una fotografía a manera de ejemplo para recrear la idea a desarrollar de manera individual pero compartiendo los elementos de trabajo y la manera de su realización caracterizado en cada grupo.
Durante la primera sección, socializamos la actividad teniendo claro los grupos de trabajo, los materiales propuestos y el tema de dibujo previamente estudiado. El procedimiento pictórico empleado, consiste en la yuxtaposición de puntos de colores puros, en lugar de las pinceladas sobre la tela. Estás técnica fue el resultado de los estudios cromáticos de Seurat, quien en 1884, llegó a dividir los tonos por la yuxtaposición de toques de colores, los cuales mirados a cierta distancia, crean la combinación deseada en la retina. Esta técnica también se conoce como divisionismo.


Actividad.
Primera sesión. Inicialmente copiaremos una imagen prediseñada sobre un cartón paja o madera. Vamos a escoger las partes del dibujo que queremos destacar sobre la superficie.

Tomamos una puntilla y vamos haciendo pequeños puntos sobre la zona que queremos grafiar dejando otras partes sin tocar.
Segunda sesión. Luego pintaremos el fondo matizando los espacios con puntos en color según cada figura. También la podemos resaltar con papel de revista picado con la perforadora que vamos pegando siguiendo el patrón o dibujo establecido.

Materiales. Papel perforado, cartón paja  de 25X30 cms, carbón, perforadora, colores, pintura, tijeras, revistas, puntilla, madera.
Conclusión.
Los estudiantes han tenido previamente la aplicación y mezcla  de colores primarios y secundarios. Preparación de la actividad a desarrollar. Verificar los grupos cooperativos por temáticas de trabajo, complementar los materiales a trabajar, fomentar el orden, el respeto y las apreciaciones en los resultados de cada obra.

Bibliografía. Visita este enlace
http://www.artesaniasymanualidades.com/tecnicas/tecnica-puntillista.php




 
 
 
ACTIVIDAD. Pasos: Bocetar siguiendo la estructura del cubo, cilindro y líneas de proporción.

martes, 3 de abril de 2012

Taller de Color Grado Once

Queridos estudiantes del Grado Once del Colegio Floridablanca- A continuación hallarán el tema y los pasos para el taller integrado con primaria que realizaremos en el mes de mayo. Este taller comprende  una guia de trabajo cooperativo para mirar los procesos propuestos en el Proyecto "Pintando el Color" con el cual participo en el Concurso PREMIO COMPARTIR AL MAESTRO 2012- 2013.

Miremos entonces el tema y la propuesta del taller.

TEORIA DEL COLOR III - SICOLOGIA DEL COLOR.
Desde tiempos antiguos grandes artistas incluyeron dentro de sus técnicas la armonización del color, la cual consiste en pintar con una tendencia de color determinada. Esta tendencia es evidente en la mayoría de obras de los grandes maestros. Rubens pintaba básicamente con amarillos, dorados y rojos; Velázquez es el gran pintor de los colores pardos, grises, quebrados; en los impresionistas hay una gran variedad de tendencias, pero en muchos de sus cuadros y particularmente en sus paisajes hay una dominante azul. Estas tendencias o dominantes de color no son casuales, responden al conocimiento y uso de las gamas de colores constituidas por series de colores que concuerdan, que casan, que armonizan; porque ofrecen una tendencia cromática similar, como el amarillo y el rojo, el verde y el azul, el pardo y el gris.
Los colores son cálidos, fríos o neutros.
1. El blanco: (Ausencia de color)
Como el negro, se hallan en los extremos de la gama de los grises. Tienen un valor límite, frecuentemente extremos de brillo y de saturación, y también un valor neutro (ausencia de color). También es un valor latente capaz, de potenciar los otros colores vecinos. El blanco puede expresar paz, soleado, feliz, activo, puro e inocente; crea una impresión luminosa de vacío positivo y de infinito. El blanco es el fondo universal de la comunicación gráfica.
2. El negro: (Mezcla de todos los colores)
Es el símbolo del silencio, del misterio y. en ocasiones, puede significar impuro y maligno. Confiere nobleza y elegancia, sobre todo cuando es brillante.
3. El gris: (Frio)
Es el centro de todo, pero es un centro neutro y pasivo, que simboliza la indecisión y la ausencia
de energía, expresa duda y melancolía.
Simbólicamente, el blanco y el negro, con sus gradaciones de gris, son del color de la lógica y de lo esencial: la forma. Por otra parte, el blanco y el negro junto con el oro y plata, son los colores del prestigio.
4. El amarillo: (Cálido)
Es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo. Es el color del sol, de la luz y del oro y como tal es violento, intenso y agudo. Suelen interpretarse como animados, joviales, excitantes, afectivos e impulsivos. Está también relacionado con la naturaleza.
5. El naranja: (Cálido)
Más que el rojo, posee una fuerza activa, radiante y expansiva. Tiene un carácter acogedor, cálido, estimulante y una cualidad dinámica muy positiva y energética.
6. El rojo: (Cálido)
Significa la vitalidad, es el color de la sangre, de la pasión, de la fuerza bruta y del fuego. Color fundamental, ligado al principio de la vida, expresa la sensualidad, la virilidad, la energía; es exultante y agresivo. El rojo es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo. En general los rojos suelen ser percibidos como osados, sociables, excitantes, potentes y protectores. Este color puede significar cólera y agresividad Asimismo se puede relacionar con la guerra, la sangre, la pasión, el amor, el peligro, la fuerza, la energía. Estamos hablando de un color cálido, asociado con el sol, el calor, de tal manera que es posible sentirse más acalorado en un ambiente pintado de rojo, aunque objetivamente la temperatura no haya variado.
7. El azul: (Frio)
Es el símbolo de la profundidad. Inmaterial y frío, suscita una predisposición favorable. La sensación de placidez que provoca el azul es distinta de la calma o reposo terrestres, propios del verde. Es un color reservado y entra dentro de los colores fríos. Expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego y posee la virtud de crear la ilusión óptica de retroceder. Este color se asocia con el cielo, el mar y el aire. El azul claro puede sugerir optimismo. Cuanto más se clarifica más pierde atracción y se vuelve indiferente y vacío. Cuanto más se oscurece más atrae hacia el infinito.
8. El violeta: (Frio)
(mezcla del rojo y el azul) es el color de la templanza, de la lucidez y de la reflexión. Es místico, melancólico y podría representar también la introversión. Cuando el violeta deriva el lila o morado, se aplana y pierde su potencial de concentración positiva. Cuando tiende al púrpura proyecta una sensación de majestad.
9. El verde: (Neutro)
Es el color más tranquilo y sedante. Evoca la vegetación, el frescor y la naturaleza. Es el color de la calma indiferente: no transmite alegría, tristeza o pasión. Cuando algo reverdece suscita la esperanza de una vida renovada. El verde que tiende al amarillo, cobra fuerza activa y soleada; si en él predomina el azul resulta más sobrio y sofisticado.
10. El marrón: (cálido)
Es un color masculino, severo, confortable. Es evocador del ambiente otoñal y da la impresión de gravedad y equilibrio. Es el color realista, tal vez, porque es el color de la tierra que pisamos. Hemos visto algunas reacciones que producen los colores según nos los describe A. Moles y L. Janiszewski.
Cada dimensión del color está relacionada con una reacción diferente. Por ejemplo, cuanto más se satura un color, mayor es la impresión de que el objeto se está moviendo. Cuanto más brillante es el color, mayor es la impresión de que el objeto está más cerca de lo que en realidad está. Las tonalidades de la parte alta del espectro (rojo, anaranjado, amarillo) suelen ser percibidas como más enérgicas y extrovertidas, mientras que las de las partes bajas (verdes, azules, púrpuras) suelen parecer más tranquilas e introvertidas. Los verdes y los azules se perciben calmados, relajados y tranquilizantes. A la vez los rojos, naranjas, y amarillos son percibidos como colores cálidos, mientras que los azules, verdes y violetas son considerados colores fríos. Las diferentes tonalidades también producen diferentes impresiones de distancia: un objeto azul o verde parece más lejano que un rojo, naranja o marrón.
Ahora hablemos de tonos, ya sabemos cuando un color es cálido, frió o neutro, pero por ejemplo el verde si tiene mas cían que amarillo, tendría una tendencia a ser frió, y si tiene más amarillo parecería ser mas cálido. Por eso es importante saber manejar los tonos. Abajo hay unas escalas de color divididas por tonos fríos y cálidos.
Autor: Carlos Manuel Cardona
http://pincelyburil2.blogspot.com/2010/08/el-color-azul-en-el-arte.html

Uno de los temas para trabajo en grupo cooperativo es:

POP ART
El pop art surge en EEUU hacia 1958 y en Europa a mediados de los años 60. Es una corriente artística cuyos representantes emplean en sus obras formas y motivos tomados de los medios de comunicación de masas, propios de la sociedad de consumo, o bien productos industriales.

Las características del pop art son las siguientes:
   1- Es figurativo y realista (este último aspecto había sido olvidado por los vanguardistas desde el Realismo del s.XIX), pero con pleno dominio de todas las técnicas aparecidas entre el siglo anterior a los años 60 del s.XX.
   2- Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente) mediante trazados tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o policromáticos, inversiones de figura y fondo, cambios de tamaño, combinaciones de formas y figuras ambiguas.
   3- Diseños de formas geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones complejas.
   4- Composiciones meticulosamente realizadas.
   5- Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos o en variación.
6- Participación del espectador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.
   7- Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.
   8- Colores planos de contornos netos.
   9- Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecables entre lisos y uniformes.
   10- Estilo muy crítico con la sociedad de consumo y sus valores que rodean al hombre. Rechazan el subrrealismo  o la abstracción como formas de expresión creativas, pues no unen al autor y al espectador.


TALLER INTEGRADODS
1. Colores primarios y secundarios. Un color por estudiante.
2- En 1/8 de cartulina iris hacer una cuadrícula de 4X4 centimetros y recorta todos los cuadros
3. Dibuja a lápiz una cuadrícula de 4X4 en una cartulina blanca. (1 por grupo).
4. Recuerda llevar tijeras y demas implementos para la actividad.
5, Elaborar la guía de colores primarios y secundarios en un octavo de papel Bond base 28 para colorear,
nota.  NO OLVIDES HACER LOS 4 CUADROS Y COLOREARLOS CON NARANJA, VERDE Y AMARILLO para la nota de la clase.

El Grabado grado décimo

Queridos Estudiantes del grado décimo del Colegio Floridablanca. Reciban un cordial saludo y vean a continuación el tema a tratar para el segundo periodo 2012 de arte.

Hola Javier Duran Bossari, hoy te ofrecemos:
Boletín número 264 de Artelista.com
 771.546 usuarios | 106.071 artistas | 890.893 obras de arte
Tema destacado

El Picasso grabador

El Museo Colecciones ICO (Madrid, España) acoge, desde mañana y hasta el próximo 20 de mayo, la exposición La Suite Vollard de Picasso, una de las pocas series completas que hay en el mundo de esta obra cumbre del grabado del siglo XX. Los grabados que la integran fueron realizados por Pablo Ruiz Picasso entre septiembre de 1930 y junio de 1936. A las 97 piezas que componían la obra originariamente, se añadieron en 1937 tres retratos de Ambroise Vollard, que vinieron a completarla hasta los 100 grabados finales.
El nombre de la serie proviene de Ambroise Vollard, marchante y amigo personal de Picasso desde 1901. La colaboración entre Vollard y Picasso llega a su punto álgido con la Suite Vollard que, sin embargo, no fue un encargo del marchante al artista sino, más bien, fruto de un intercambio amistoso y comercial: Vollard obtuvo la serie inicial de 97 cobres grabados a cambio de un número importante de pinturas de su propiedad que Picasso deseaba para su colección privada.
La Suite Vollard es el reflejo de uno de los momentos de mayor creatividad del pintor malagueño. Los años 30 del siglo XX suponen el periodo de plena madurez de Picasso. En esta etapa, a modo de diario íntimo, va desarrollando sus obsesiones personales, que quedarán reflejadas en los temas de la Suite Vollard.
Los grabados se articulan en torno a seis bloques temáticos que, en esta ocasión, sirven de guión a la muestra en el MUICO: Temas varios, Rembrandt, La batalla del amor, El estudio del escultor, El Minotauro y los Retratos de Ambroise Vollard
Fecha: hasta el 20 de mayo.
Lugar: Museo Colecciones ICO.MUICO. C/ Zorrilla, 3, Madrid. España.
Horario: de martes a sábado de 11.00 a 20.00 horas. Domingos de 10.00 a 14.00 horas.
Goya. Luces y sombras: La retrospectiva más completa realizada en Barcelona
Hace ahora diez años, CaixaForum Barcelona abrió las puertas, y para celebrar el aniversario, la Obra Social "la Caixa" y el Museo Nacional del Prado han organizado una exposición única, titulada 'Goya. Luces y sombras', que permite contemplar una selección de noventa y seis obras del artista. Algunos de los cuadros más destacados son 'La maja vestida', 'La sombrilla', 'La gallina ciega', 'El pelele' y 'La duquesa de Alba', entre otros.

Tareas del alumno:
1. Mira el tratamiento de la figura, el color y demás aspectos que hizo este artísta español en sus obras.
2. Retoma para tu trabajo de grabado algunas ideas y realiza un dibujo propio.
3. Pásalo tu dibujo a lápiz en 1/8 de cartón paja-
4. Haz el procedimiento visto en clase.
5. No olvides tu papel acuarela y demás implementos del taller que hemos preparado.
6. Recuerda llevar tus cuadros coloreados para la nota-  

> continuación te dejo este tema con su link para que entre y lo visites, después lo trataremos en clase-

La retrospectiva más completa realizada en Barcelona
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'Goya. Luces y sombras' es la más completa retrospectiva realizada sobre el genial maestro en más de tres décadas en la ciudad de Barcelona. A través de un recorrido cronológico, se presentan todas las facetas de su obra y las principales etapas de su producción. Desde los primeros años, en los que su realismo se opone al rebuscado rococó de sus contemporáneos, hasta su obra íntima realizada en Burdeos al final de su vida. Disfruta de los grabados de Picasso en la siguiente galería:            
http://www.artelista.com/espaciodelasartes/ ver galeri de artistas, encuentra quien es este artísta.
cruzando la linea

lunes, 2 de abril de 2012

claroscuro

CONTRASTE DE COLORES DEL CLAROSCURO